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lunes, 31 de mayo de 2010

Sueño cumplido: Ernesto Snajer



A la caza de Gismonti. El guitarrista cuenta el largo camino que debió recorrer hasta que logró conocer al músico brasileño, su máximo referente.

PorEduardo Slusarczuk

Arranqué con mi sueño cuando tenía 13 años. Yo venía tocando de todo: me gustaba el rock, el jazz, un poco el folclore. Pero estaba en la luna. Hasta que un amigo músico me dijo: Escucha esto. Y puso Circense, de Egberto Gismonti. Fue como que si en un segundo se me ordenaran todos los pensamientos. Me quedé así, duro. Me morí.”

Recordar no le cuesta a Ernesto Snajer. Casi 30 años después de aquel día, guarda intacta aquella sensación. “Desde entonces siempre tuve a Gismonti en la cabeza. Me compraba los discos, me sabía todos los temas, me leía los reportajes. Cuando salió la primera edición de Alma, en vinilo, venía con las partituras. Y eso terminó de enloquecerme”.

La gismontimanía del músico argentino incluyó la compra de una guitarra de 10 cuerdas como la de Egberto. “Creo que la primera guita que cobré como músico me la gasté en la guitarra. Tuve que pedirla especialmente, y esperar que me la hicieran”, recuerda. Lo que no imaginaba Snajer era que esa inversión lo pondría a tiro de cumplir su sueño.

Es que, en medio de una gira por Neuquén, a Gismonti se le rompió la guitarra. “Alguien de la producción me llamó y me preguntó si se la podía prestar. Obvio que dije que sí”, relata Snajer, y sigue: “El día del concierto fui al teatro y esperé hasta que llegó Gismonti”. Pero resultó que, sin aviso, alguien había arreglado la guitarra y su presencia allí ya no tenía demasiado sentido. “Gismonti pasó por al lado mío, me dijo algo así como gracias pibe, y siguió de largo. Eso fue todo. Pensé: Anda a cagar y, casi moqueando, me fui pensando que el sueño no era para mí”, concluye.

Pero Snajer cuenta que, en el ‘97, Gismonti estaba por tocar en el Bauen, con Nando Carneiro y Zeca Assumpção. “Yo no tenía un sope, pero una tía me compró dos entradas. Fui con mi mujer y me llevé el disco que recién había grabado con el danés Palle Wintfeld, que incluía una versión de Maracatú.”

“El show fue alucinante. Y cuando terminó, empecé a dar vueltas, sin decidirme a nada”, recuerda Snajer, y le echa la culpa a su timidez: “Reconozco que me gustaría conocer gente, pero en el momento preciso empiezo a mariconera”. Pero aquel día, el amor propio pudo más. “Di vueltas hasta que mi mujer me dijo: No seas boludo. Viniste hasta acá, tenés el disco. Dármelo y se lo llevo yo. Me convenció.” El hombre tomó aire y encaró para los camarines, donde chocó con Bochi, “asistente emblemático de Roberto Menéndez, el dueño de Oliverio”. Aunque insistió, no hubo caso. “No puedo dejar pasar a nadie”, repetía. Así que le dejó el CD, con la certeza de que al minuto el mensajero se olvidaría del asunto.
Pero no. “A la semana, mientras laburaba en mi estudio, entró un fax. El remitente: Egberto Gismonti. Me quedé duro”. Con auxilio de un amigo, Snajer leyó: “Me decía que le había gustado mucho el disco, que estaba armando su sello y que quería editarlo. Me morí”, sintetiza. “Consultamos a nuestro editor, Peter Olfusan, y dijo que no había problemas”, continúa. Sin embargo, el proyecto entró en un largo compás de espera, con las peores premoniciones. Dos años pasaron hasta que Gismonti lo llamó a Snajer. “Me dijo: Le tenemos que dar forma a esto. ¿Por qué no te venís para Río y arreglamos todo? Respondí: Mandame los datos que voy”.
Fueron tres días y dos noches los que pasó Snajer en la casa de Gismonti. “Dormía en la pieza en la que el tipo tiene el piano”, recuerda. “Yo fui con la ilusión de hablar de música. Voy tres días a la casa de mi héroe –pensé-. Quiero que me dé la luz. Me acuerdo de que llegué y me planteó: Mira, de música casi no vamos a hablar. Ustedes tienen un dúo que me encanta, tocan muy bien, y por algo los elegí. De ahí en más, viví un curso acelerado de cómo tiene que hacer las cosas un músico”.

Snajer sintetiza esas 60 horas sin dar respiro. “Era mortal. No hablábamos de música. Pero nos sentábamos a tomar algo y me explicaba cosas. Me decía cómo le parecía que nos teníamos que organizar. Trabajamos en el estudio, con el disco. No tocamos nada, pero volví con otra cabeza. Después de eso, nada fue igual”.

Fuente: Clarín

Esta vez el hechizo tuvo un tinte espartano

MUSICA › CAT POWER VOLVIO A CANTAR EN BUENOS AIRES

Por Roque Casciero
Imagen: Veronica Martinez

Algo pasó el año pasado entre Chan Marshall, la princesa indie también conocida como Cat Power, y sus seguidores argentinos: en el Gran Rex se selló el comienzo de una historia de amor. Ella, con su encantador flequillo, su rostro redondeado, sus ademanes de freak y su aspecto de girl next door, sedujo a toda la platea. Pero el sentimiento fue correspondido, porque fue Marshall quien insistió en volver tan pronto. Eso contaba después el promotor de la velada que, claro, ¿cómo iba a negarse a los deseos de la hechicera Cat Power? Si su voz puede lastimar cuando acaricia y ofrecer refugio en el dolor, mientras ella baila con un ritmo que sólo escucha en su mente o decide que es buen momento para bajar a cantar en los pasillos del teatro. Todo eso se repitió el sábado pasado en el Coliseo, a sólo diez meses de la visita anterior de la cantante: hasta tenía la misma camisa verde militar, la corbatita suelta y los jeans negros. También volvió sobre el ritual de regalarle rosas a su público al final (en el inicio la habían sorprendido entregándole una camiseta de la selección) y hasta repasó varias de las canciones que ya había transitado en su segunda visita. Pero las similitudes entre uno y otro show llegaron hasta ahí.

La diferencia más profunda fue que esta vez sólo la acompañaron dos músicos de Dirty Delta Blues, el cuarteto con el que grabara el disco de versiones Jukebox y que la acompañara en julio pasado. El guitarrista Judah Bauer (Blues Explosion) y el pianista Gregg Foreman (The Delta 72) construyeron, de manera sencilla, un entorno de blues y soul desnudos, casi esqueletos de canciones de la propia Marshall y de clásicos como “Sea of Love” (Phil Phillips) y “Satisfaction” (Rolling Stones). Los fans ya están avisados de que la cantante no sigue los parámetros convencionales a la hora de los covers, pero lo del sábado fueron versiones de versiones, reinterpretaciones ligeramente basadas en los originales... incluso en los temas que llevan la firma de Marshall. A “Lived in Bars” le sentó muy bien ir a la médula, pero “The Greatest” se contrajo tanto que perdió algo de encanto. “Song for Bobby” también se diluyó por el tratamiento espartano, aunque la voz resultara suficiente para mantener el encantamiento. Yclaro, esos desplazamientos de niña grandota incómoda con su cuerpo. “¡Qué lindo movés los piecitos!”, le gritaron. Es cierto: esas “dificultades”, como los chistes a medias y los gestos que intentan en vano una comunicación, aportan a su embrujo.

La ausencia más notable con respecto al show anterior fue la del enorme Jim White, hecho acentuado cuando un asistente de escenario se hizo cargo de la batería en un par de temas: los fills del batero de Dirty Three no son para cualquiera. En varias de las canciones, el tempo era marcado por la pandereta que pisaba Bauer, a la manera de los viejos bluseros. De todos modos, Marshall va a su propia velocidad, y a veces maravilla que logre fundirse con lo que tocan los músicos. Las melodías se desarman y reaparecen en fragmentos, como piezas de un rompecabezas mágico que sólo ella puede hacer encajar. No tiene por qué cantar exactamente lo que compuso y la “obligación” es incluso menor si se trata de un cover: costó reconocer el riff de “Satisfaction” y a “Fortunate Son” (Creedence Clearwater Revival) bien se le podía cantar “Sympathy for the Devil” encima. Además, si en la edición argentina de Jukebox incluía una versión en español de “Angelitos negros” (del venezolano Andrés Eloy Blanco), en el Coliseo eligió un spanglish difícil de seguir. Sin embargo, de algún modo misterioso, con el áspero terciopelo de su garganta y su aspecto de haber cerrado apenas vaya uno a saber qué heridas, ella se erigió una vez más en esa sirena adolorida por la que tantos no dudarían en dejar que sus naves se hicieran pedazos.

7-CAT POWER

Músicos: Chan Marshall (voz), Judah Bauer (guitarra) y Gregg Foreman (teclados y guitarra).

Lugar: Teatro Coliseo, 29 de mayo de 2010.

Público: 1600 personas.

Duración: 90 minutos.

Fuente: Página 12

Falleció Rubén Juárez

Juárez sufría cáncer desde hacía varios años

El famoso bandoneonista y cantor se encontraba internado en una clínica de Capital Federal. Tenía 62 años. Sus restos serán velados en la Legislatura porteña

El bandoneonista y cantor Rubén Juárez falleció esta mañana luego de sufrir un intenso deterioro en su salud, producto de un cáncer de próstata que sufría desde hacía varios años.

Amigos del artista del dos por cuatro confirmaron su deceso que se produjo en la mañana de hoy en el sanatorio Güemes de Capital Federal donde estaba internado en terapia intensiva.

Los restos de Juárez, fallecido esta mañana, serán velados desde la tarde de hoy en el Salón Presidente Perón de la Legislatura porteña, según se informó oficialmente.

El compositor, arreglador, bandoneonista y cantante de tango había sido declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires por el cuerpo legislativo en diciembre de 2006, mediante la Ley 2.205 sancionada por unanimidad de votos.

De acuerdo con lo informado por la Legislatura, el ingreso del público al Palacio legislativo de la Ciudad se realizará por la Avenida Julio A. Roca 575.

Fuente: El Día

Pop que pisa fuerte

Indie pop con reminiscencias de los '90 propone el emergente grupo Amor Elefante

Indie pop, anti-folk, sonido noventa de la escuela Bléfari, guitarras, teclados y xilofón se cruzan en el myspace de las Amor Elefante. Su cantante y guitarrista Rocío (o Rochu) grabó unas maquetas, las colgó en la web y junto a Roky Fernandon en batería, Ine Coper en guitarra, y la ayuda de su amigo Juanchi Cometa en el bajo (del grupo Mic y Mouse) hoy recorre los escenarios, exhibiendo su introspectiva obra. “Estamos grabando un disco, merendando mucho, saliendo poco, tocando, y disfrutando del amor que nos tenemos y de la hermosa amistad que se va dando con las personas que nos cruzamos en el camino”, nos cuenta.

Una hermosa voz con acento neutro, naif, con algunos fraseos al estilo británico (pensemos en Bristol o Juana La Loca) coritos low-fi corte Beach Boys (aquí atractivamente femeninos) y teclados grabados en un pijama party terminan de definir su apuesta. “Proyectos tenemos miles, grabar las nuevas canciones, jugar un partido de papi futbol, comprar unas buenas patinetas de las viejitas y salir a conquistar el barrio, hacer un pic nic…”.

Amor Elefante se formó en Banfield hace un año, y es de los flamantes grupos del sello platense JEC. En junio prometen festejar su primer cumpleaños, “esto será en Plasma, el día 20, con La Ola que quería ser chau y Valentín & los volcanes”.

myspace.com/amorelefante
Fuente: Hoy

sábado, 29 de mayo de 2010

Araca la Cana y Se Armó la Gorda en Meridiano V de La Plata

Desde las 15, en Meridiano V, calle 71 y 17. Gratuito.

En el Bicentenario de la Patria se multiplican los festejos por todo el país. Desde el barrio Meridiano V queremos resaltar esta fecha tan simbólica poniendo el acento en la fiesta de la cultura popular.

Por eso invitamos a una jornada de encuentro barrial en la estación, donde chicos, jóvenes y adultos mayores compartiremos un chocolate, pasteles y una actividad cultural en el playón de la estación. En esta oportunidad el grupo de Teatro Comunitario del barrio “Los Okupas del Anden” realizará un ensayo abierto, la murga de la estación “Se Armó La Gorda” nos brindará sus canciones y cerraremos la jornada con la visita desde Uruguay de la Murga “Araca La Cana”.

Por todo esto, este sábado 29 de mayo invitamos a todos los vecinos de la ciudad a un espectáculo totalmente gratuito en este particular festejo, celebrando el Bicentenario patrio compartiendo una jornada en el querido barrio Meridiano V, con su emblema que es la estación donde hoy los vecinos la han transformado en un Centro Cultural, símbolo de participación, cultura y encuentro.

Fuente: Hoy

viernes, 28 de mayo de 2010

El ex saxofonista ricotero, Sergio Dawi, presenta su repertorio solista en El Pueblito

Esta medianoche, en diag. 74 e/ 57 y 58

“Subí a tocar un par de temas con el Indio y recordé viejas épocas de Los Redondos”

La historia musical de Sergio Dawi se remonta a aquellos años dorados cuando Los Redondos llenaban estadios y las masas los seguían a lo largo y a lo ancho de todo el país. En aquellos días, él se hizo cargo del rol de saxofonista y multiinstrumentista de la banda liderada por ese tándem que conformaban el Indio Solari y Skay Beilinson. Y eso fue así hasta que en octubre de 2001, tras un show en Córdoba, el grupo se disolvió. Sin embargo, antes de que sucediera eso, ya había comenzado a forjar su propio camino como solista.

Por eso, esta medianoche, las paredes de El Pueblito (diagonal 74 entre 57 y 58) albergarán a éste músico que presentará el repertorio de sus dos producciones musicales: Estrellados (2004) y Quijotes al ajillo (2008), además de realizar un recorrido por los mayores éxitos del grupo ricotero y con los platenses Predicador Solar como banda soporte.

–Si tuviera que definir el estilo de sus dos discos, ¿dónde los englobaría?

–Están dentro de la cultura rock, pero los géneros no están tomados de una forma ortodoxa, no van a escuchar un blues, van a escuchar una canción que tiene aire de blues, por ejemplo. Y así lo mismo con canciones que tienen que ver con el funk, con el reggae, son todas canciones que tienen un tratamiento bastante personal.

–¿Cómo fue el traspaso de ser saxofonista de Los Redondos a formar su propia banda e imponer su propia voz?

–Yo ya tenía muchas canciones y tuve la necesidad de ponerles letra. Cuando uno toca sin usar las palabras se puede interpretar de muchas formas. Esto fue en 2001 y después de un año estuve haciendo las cosas más puntualmente, no tan abstractas y esas canciones que ya tenían una melodía tuvieron que ser plasmadas en los discos, con letras de mi puño.

–¿Cómo se vive el pasar de escenarios multitudinarios a lugares más pequeños como El Pueblito?

–La verdad que bien. Creo que lo más importante es que uno en cada situación puede estar a pleno. La última movida en la que estuve con mucha gente fue cuando se presentó el Indio Solari en el Estadio Único de La Plata. Subí a tocar un par de temas con él y fue como recordar las viejas épocas de Los Redondos. También fue reconocerme que estaba a full en aquel momento, de la misma manera que esa época terminó. Ahora yo estoy de la misma manera con la banda de la actualidad, con menos gente. Entender que la gente es importante pero lo que a mí me pesa es el estado en que estoy, que estoy a pleno. En mi fuero interno sigo lo que yo creo que es un músico que da todo lo que puede.

–¿Ha tenido la oportunidad de venir previamente a La Plata?

–Estuvimos hace un tiempo en Ciudad Vieja, ahora el escenario es un poco más grande y hay lugar para más cantidad de público.

–¿Están armando algún nuevo disco?

–Sí, estamos en eso. Todavía estamos con las canciones, grabando de a poco. Estamos empezando a grabar y mientras tanto seguimos tocando. Esta semana vamos a Montevideo a tocar y después pasamos por Capital. También vamos a estar presentándonos con Las pastillas del abuelo en el mes de julio. Estamos tocando y a su vez siempre van saliendo temas nuevos que está bueno incluir en un disco.

–¿Tienen pensado la fecha para el nuevo disco?

–No, no, está en veremos. Recién estamos armando las canciones, no grabamos nada todavía para el nuevo disco, estamos sin ningún apuro. Porque en realidad grabamos en mi casa, tenemos esta facilidad que nos permite manejarnos con flexibilidad, así que esperamos el momento justo cuando las canciones nacen sin ningún apuro. Esperamos que los temas estén maduros y cuando estén listos, ahí los llevamos al estudio para grabarlos y plasmarlos.

–¿Va a seguir la línea de los discos anteriores?

–Sí, el próximo disco será una continuidad. Ya el segundo disco es una banda de rock, y este tiene ese hilo conductor.

–¿Cómo será el espectáculo en La Plata?

–Vamos a tocar con una banda invitada de La Plata y nosotros estaremos tocando temas de los discos, Estrellados y Quijotes al ajillo y algunos temas más de los Redondos que haremos sobre el final del espectáculo.

Fuente: Diagonales

El Sexteto Mayor se presenta en el Salón Dorado de la Casa de Gobierno de la Provincia

El Sexteto Mayor se presenta en el Salón Dorado de la Casa de Gobierno de la Provincia de Buenos Aires

Este fin de semana continúa el programa “Puertas Abiertas al Bicentenario”, un ciclo organizado por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires que incluye visitas guiadas por el Palacio de Gobierno Provincial y la Residencia del Gobernador, shows musicales, cine y espectáculos infantiles, en forma gratuita y abierta al público.

El espectáculo principal estará a cargo del “Sexteto Mayor”, el sábado a las 21, con entrada limitada a la capacidad del Salón Dorado. El Grupo Babel Orkesta se presentará el domingo a las 17, en un show dedicado a los niños. Y ese mismo día a partir de las 18 se proyectará la película argentina “Anita”.
Las entradas para los shows son gratuitas y se retiran de miércoles a domingo en el Museo Provincial de Bellas Artes (Calle 51 entre 5 y 6) de 16 a 19. Quienes deseen presenciar la proyección de Anita deberán presentarse directamente con DNI el día de la función.

El espíritu del ciclo apunta a la apertura de espacios públicos mediante un plan de visitas guiadas al Palacio de Gobierno y a la Residencia del Gobernador, a cargo de estudiantes y egresados de Bellas Artes, Turismo y Arquitectura, quienes van describiendo las características históricas y arquitectónicas de los distintos espacios que abarca la recorrida. Estas se llevan a cabo los sábados y domingos, de 10 a 17.

El circuito incluye los salones más emblemáticos de la Casa de Gobierno como el Hall Central y sus escalinatas. Continúa con el gran Salón Dorado donde hoy tienen lugar los actos políticos más trascendentes. Completa el periplo el Salón Rojo, la Sala de Audiencias y el Salón de los Acuerdos.

Además se pueden apreciar los espléndidos jardines perimetrales y la belleza de los salones de la Residencia del Gobernador como el tradicional Salón Francés y la Sala de Música que se abre al público por primera vez. Así, el público puede tomar contacto con las obras realizadas para restaurar, recuperar y poner en valor este conjunto edilicio, ejecutadas durante la gestión de Daniel Scioli.

En el ciclo de shows musicales de rock, tango y folklore que se realizan en el Salón Dorado todos los sábados a partir de las 21, ya se presentaron Los Pericos y Adriana Varela, este fin de semana llega el Sexteto Mayor y el próximo Los Ratones Paranoicos.

Para mayor información comunicarse al Museo de Bellas Artes de la Provincia de Buenos Aires 0221-421-2206 o visitar el blog del programa
http://puertasabiertasalbicentenario.blogspot.com/

Fuente: http://www.prensa.gba.gov.ar/

El grupo Xeito Novo repasa su carrera en Todos estos años

Música Folk-Celta: Mañana a las 21.30, en el Teatro de Cámara

La agrupación de Folk-Celta Xeito Novo llega mañana, a las 21.30, al Teatro de Cámara de City Bell (Diagonal Urquiza entre 462 y 464) para presentar su espectáculo Todos estos años: un recorrido por la carrera de esta banda surgida en el año 1984.

Marcelo Fernández (flauta traversa) es uno de los integrantes de Xeito Novo y le contó a Diagonales que el proyecto comenzó como "un grupo de música tradicional gallega, con los instrumentos típicos de gaita y percusión y con el auge de la música celta y las músicas de Galicia, Irlanda, Escocia, Gales y Asturias fuimos ampliando el panorama y se incorporaron otros instrumentos como teclado, flauta, violín, guitarra, batería. Fuimos evolucionando y fusionando esas músicas".

El espectáculo que brindarán esta noche tiene "un reflejo de esa evolución", según el violinista, quien detalló que además de realizar un repaso por los seis discos que tienen editados, también estrenarán algunos temas del próximo CD. "Se va a notar bien la diferencia entre las primeras versiones, quizás con arreglos básicos y después los temas más elaborados, con más arreglos, en los cuales se incorporaron los gustos de integrantes del grupo, incluso temas compuestos por gente del grupo", agregó Fernández.

–¿Cuál sería, según su experiencia, el estilo de Xeito Novo?

–Es un estilo muy particular, porque si bien el grupo en sus comienzos miraba lo que pasaba en Europa, luego imprimió su propio estilo. Fuimos aggiornándonos, tratamos de que el concepto de sonido sea actualizado, pero eso no significa que, por ejemplo una muñeira tradicional no la podamos hacer con un sonido actualizado, sin llegar a una sofisticación. Hacemos cosas tradicionales pero con sonido actualizado, no somos "los renovadores", pero hacemos nuestras cosas. Creo que la música tradicional tiene bastantes cosas para ser tocada como fue concebida pero un sonido actual para que auditivamente no suene antigua.

A la hora de adelantar algo sobre el nuevo trabajo de la banda, el violinista explicó que la costumbre de Xeito Novo es "ir presentando el material a medida que lo tenemos" y que no hacen una "presentación formal" sino que van mostrando y "probando cosas" en los recitales que brindan. Y aclaró que "para el próximo disco no hay un concepto precisado, vamos haciendo temas y dejamos lo que consideramos que tiene más que ver. Pero no hay una idea original de movida, cada uno de los integrantes aporta lo que puede, se toman temas tradicionales y se los arregla o se componen temas nuevos y así vamos llegando al disco".

–¿Qué sienten cuando los mencionan como la mejor agrupación Folk-Celta de Argentina?

–Es un reconocimiento, somos los más antiguos, no sé si los mejores. Pero cuando empezamos no existía acá ese tipo de música, no tenía difusión y era difícil desde conseguir una nota hasta que las disquerías acepten nuestros discos para vender, era un rubro no explotado. Fue un camino duro el que nos tocó atravesar y por una cuestión de tiempo nos tocó a nosotros pero hoy en día hay excelentes grupos. Que nos llamen así y nos tengan como una de las agrupaciones más importantes es muy gratificante porque hay un reconocimiento.

Fuente: Diagonales

Catupecu Machu visita La Plata

Simetría de Moebius

Tras retomar su costado más oscuro y experimental, la banda de Villa Luro visita nuestra ciudad para presentar su nuevo álbum

AP fin del año pasado, el último (y tan esperado) disco de Catupecu Machu finalmente se materializó. Tras muchas idas y vueltas, Simetría de Moebius se convirtió en el primer álbum completo grabado en estudio tras el accidente de su bajista, Gabriel Ruiz Díaz. La nueva placa, subrayadamente oscura y experimental, fue compuesta íntegramente en una casa de campo, en las afueras de Buenos Aires, registrada en su propio estudio y presentada, días atrás, en el estadio Luna Park. A horas de su desembarco en La Plata, hablamos con Martín “Macabre” Gonzáles, tecladista del grupo.

-¿Qué destacarías de su reciente presentación en el Luna?

-Fue increíble, muy emotiva. Estuvimos un año conviviendo con estas canciones, que finalmente pudimos exteriorizar. Primero pasamos más de seis meses alejados de todo, componiendo en un campo. Después un par de meses en estudio. Siguió la masterización en Nueva York, las presentaciones para la prensa y finalmente el show del Luna.
Tuvimos a Javier Rodríguez, uno más de la familia Catupecu, tocando el violín en algunos temas, y a Roberto Petinatto, con quien tenemos mucha onda desde siempre, haciendo una zapada de saxo increíble.

-¿Qué planean para su presentación en La Plata?

-Haremos hincapié en el disco nuevo, y haremos un repaso de lo anterior. Estamos tratando de llevar Simetría para todos los lugares, así que esto recién empieza…

-¿Cómo se desarrolló el proceso compositivo de Simetría de Moebius?

-Estuvimos seis meses solos, en una estancia, lejos del ruido de la ciudad. De lunes a lunes estuvimos avocados en la composición del disco. La idea ori-ginal fue que Fernando viajara para allá a escribir algunas letras, y después lo acompañáramos unos días para diagramar el disco. Dijimos “quedémonos una semana”. Esa semana terminaron resultando seis meses, y grabamos un montón de cosas. Durante cada charla, cada desayuno y cena, cada paseo para buscar leña, debatíamos sobre las ideas del álbum. En algún punto vivimos a su disposición. Creo que al escucharlo puede entreverse parte de esa magia. Cuando llegamos a Buenos Aires para hacer las mezclas ya estaba todo muy cocinado.

-Nuevo Libro, su último videoclip, fue filmado en un campo. ¿Haber estado componiendo ahí inspiró las imágenes?

-Bueno, de alguna forma podría asociarse. Aunque no linealmente. La verdad es que nos gusta mucho el campo. Si seguís de cerca los videos de Catupecu te vas a dar cuenta que en su mayoría están filmados en exteriores, al aire libre. Rodamos en Córdoba, San Juan, frente a varios paisajes naturales. Nos sentimos muy cómodos en estos escenarios.

-¿Qué diferencias señalarías en comparación con álbumes anteriores?

-A nivel audio, a nosotros nos gusta mucho cambiar constantemente el paradigma instrumental. Esta vez hay muchos teclados, tocados en conjunto. Un tema tiene tres bajos. Esta vez, Fernando tocó más el bajo que la guitarra, lo que concretó un aporte experimental muy interesante.

-¿Cómo transita su recuperación Gabriel? Se supo que lo operaron en marzo…

-Sigue en rehabilitación. Es un proceso muy lento. Cada tanto se realizan operaciones necesarias para su recuperación. Hoy por hoy está en su casa. Nosotros estamos con mucha fe puesta en su progreso, y brindándole mucho afecto. Siempre a su lado, empujando y tirando fuerzas desde el escenario…

Federico Valenti

Fuente: Hoy

La Provincia de Buenos Aires tuvo su gala en el Teatro Argentino de La Plata

La Provincia tuvo su gala en el Teatro Argentino de La Plata

El Gobernador de la Provincia, Daniel Scioli y el presidente del Instituto Cultural, Juan Carlos D´Amico encabezaron anoche la función de gala en conmemoración del Bicentenario de la Patria que se realizó en el Teatro Argentino de La Plata con la presentación del Ballet “Estancia” de Alberto Ginastera y el estreno sudamericano de la ópera “Ainadamar”, del autor platense Osvaldo Golijov.

A sala llena, la gala convocó a destacadas personalidades de la cultura, el espectáculo y funcionarios provinciales, que se dieron cita en la Sala Ginastera para celebrar los 200 años de la Revolución de Mayo.

Entre las figuras presentes se encontraban la esposa del Gobernador, Karina Rabolini; la presidenta del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Liliana Mazure; el jefe de Gabinete del Gobierno provincial, Alberto Pérez; los ministros de Justicia y Seguridad, Ricardo Casal y de Desarrollo Social, Baldomero Álvarez; el director General de Cultura y Educación, Mario Oporto; la procuradora de la Suprema Corte, María del Carmen Falbo; el secretario ejecutivo del Instituto Cultural, Sebastián Berardi; el administrador general del Teatro Argentino, Leandro Iglesias; el intendente de La Plata, Pablo Bruera; y numerosas autoridades provinciales y locales.

Además, disfrutaron de la gala entre los muchos invitados que colmaron el teatro Iñaki Urlezaga, Lucía y Joaquín Galán, Marta González, Miguel Rep, Cecilia Rosetto, Oscar Barney Finn, Jorge Lafauci, Emilio Basaldúa y Silvia Fajre,

Previo a la función, el Coro y la Orquesta Estable del Teatro ejecutaron el Himno Nacional Argentino y luego el primer coliseo bonaerense presentó una nueva versión de uno de los ballets más emblemáticos del repertorio nacional, “Estancia”, suite ballet con música de Alberto Ginastera en versión coreográfica de Carlos Trunsky, y la ópera “Ainadamar” de Golijov, un compositor platense que hoy triunfa en el mundo.

“Estancia” contó con la conducción de orquesta de Rodolfo Fischer y fue interpretada por integrantes del Ballet Estable que dirige Rodolfo Lastra. La ópera tiene libreto de David Henry Hwang y está basada en la muerte del escritor Federico García Lorca. El reparto estuvo encabezado por Franco Fagioli, Graciela Oddone, Patricia González y Jesús Montoya.

El Lic. Juan Carlos D`Amico destacó a la gala como la “resultante de una gestión que apunta a la cultura como factor fundamental del desarrollo humano” y agregó que “esta noche tiene un carácter excepcional en cuanto a lo artístico se refiere, y este es un aporte más de la Provincia y su Gobernador a la cultura de nuestro país”.

“Estancia” y “Ainadamar” se ofrecerán también en las funciones dedicadas al público en general que se efectuarán el viernes 28 de mayo, a las 20.30, y el domingo 30, a las 17. Para ambas oportunidades habrá entradas desde $ 15, con descuento para jubilados y pensionados. Podrán adquirirse en las boleterías del Teatro, de martes a domingos, de 10 a 20, o a través de Ticketek, a los teléfonos 4477200 (La Plata) y 52377200 (Capital Federal).

Para más detalles, consultar el sitio WEB www.teatroargentino.gba.gov.ar o comunicarse gratuitamente al Tel. 0800-666-5151.

Fuente: http://www.prensa.gba.gov.ar/

“En Chile se estigmatizaba a los músicos”

Los Jaivas participaron de la celebración del Bicentenario argentino y ahora van por más.

MUSICA › LOS JAIVAS, UNA BANDA CON CASI MEDIO SIGLO DE TRAYECTORIA, Y SU NUEVA VISITA A LA ARGENTINA

Después del notable show del sábado pasado frente al Obelisco, la legendaria agrupación chilena se presentará hoy y mañana en el ND Ateneo. Se trata de un sexteto renovado, que según sus integrantes se inserta en el contexto actual sin perder de vista sus orígenes.

Por Cristian Vitale
Imagen: Laura Gallo

Quedó expuesto en la segunda jornada de los festejos por el Bicentenario: Los Jaivas no son una rémora del pasado. No son, dicho de otro modo, una entelequia musical que se sostiene apenas por el nombre. Dos tremendas interpretaciones de piezas sin vencimiento (“Pregón para iluminarse” y “Alturas de Machu Picchu”) lo explican mejor que mil palabras. “Durar cincuenta años es la vida... El concierto de la vida en el que van sucediendo cosas como notas o canciones, porque la música sigue a pesar de las personas”, introduce Francisco Bosco –Pancho–, el integrante más joven de este sexteto chileno, histórico, renovado y presente, que acaba de cumplir cuarenta y siete años de existencia. Hacía once que no se presentaba en Buenos Aires –la última vez fue en 1999 por dos, en el Astral– y el emotivo recital del pasado sábado, en los lindes del Obelisco, opera como un presagio en leve de lo que será hoy y mañana en el ND Ateneo (Paraguay 919). “Es un honor para nosotros volver a pisar este suelo, no podemos olvidar que aquí vivimos cuatro años y fue un período muy importante para nuestra evolución”, señala Claudio Parra, uno de los fundadores del grupo junto a Mario Mutis, quien, al momento de la nota con Página/12, estuvo reunido con la presidenta Cristina Fernández y varios de los artistas que fueron parte de la fiesta patria.

“En ese momento –continúa Parra– recién salíamos de Chile y nuestro lenguaje musical se estaba afianzando. Allá era todo muy artesanal, no había equipos de sonido, no estaban los medios como acá, donde sí había un movimiento musical evolucionado, con infraestructura, revistas especializadas, conciertos grandes, en fin... Fue un momento de madurez que no olvidamos.” El tester histórico del tecladista se posa directo, sin giros, en la estadía que el grupo, aun con las presencias físicas de Gabriel Parra –enorme baterista– y Eduardo Alquinta, cantante, atravesó en Buenos Aires mediando los setenta. Entre 1973 y 1977, escapando de la oscuridad pinochetista, Los Jaivas armaron una comunidad en Zárate y desde allí produjeron dos de los discos clave que, junto a Alturas del Machu Picchu y Obras de Violeta Parra, conformarían el núcleo duro de su discografía. “Canción del sur y ‘el del Indio’, como le decimos nosotros, fueron discos que definieron una identidad. Yo era muy chico aún, tendría unos seis años, y recuerdo que mi padre viajó a Buenos Aires y trajo los dos discos, que no habían sido editados en Chile. Con mi hermano mellizo no parábamos de pasarlos. ¡Era como escuchar Led Zeppelin!, el sonido representaba una gran ventana de escape a todo lo horrible que estaba sucediendo en Chile. Fueron discos marcadores”, comenta Bosco.

El ojo puesto en una de las tantas épocas que Los Jaivas atravesaron en su larga trayectoria tiene que ver, más allá de lo afectivo, con el lugar físico que los definió. A través de los contactos con Arco Iris –grupo que les hizo de anfitrión, antes de la ida de Santaolalla–, Polifemo o León Gieco, el grupo solidificó un concepto en ciernes: la idea de fundir ese folklore épico, indoamericano, con el rock progresivo de la época que quedaría plasmado, luego, en el imponente Alturas de Machu Picchu, grabado en Europa. “Si bien cuando llegamos aquí podríamos haber ido por el lado del folklore, fuimos recibidos por los rockeros. El folklore era demasiado tradicional, mientras que nuestro lenguaje, nuestra generación y nuestro espíritu le pertenecían al rock”, señala Parra. Además de Mutis, Parra y Bosco, Los Jaivas versión 2010 está integrado por Juanita Parra –hija de Gabriel–, Ankatu Alquinta –hijo de Eduardo– y Carlos Cabezas, un cantante que fue descubierto por Juanita mientras actuaba en los colectivos de Santiago. “Cuando llegué, Eduardo, que aún vivía, me puso en los coros y después quedé como cantante”, dice.

–Por qué, pese a la vigencia del grupo, el último disco, Arrebol, data del 2001?

Claudio Parra: –Estamos esperando que madure el momento de concretar una nueva obra. Por ahora, estamos desarrollando la comunidad en el vivo. Hemos recuperado temas antiguos, tocado con grupos folklóricos de la isla de Pascua, con el Ballet Nacional Chileno, con el movimiento de las sinfónicas juveniles, con todo eso, mientras esperamos que fluya el momento de la creación.

Los Parra Jaiva no tienen nada que ver con el clan Violeta (Angel, Isabel, Javiera, Nicanor, Roberto), pero todos, unos y otros, provienen del sur de Chile. “Algo habrá entre nosotros”, se ríe Claudio. Pero, común a ambos, la inquietud y la creación han sido motores que ubicaron a Chile como país-fuente de un sonido singular, motivador. Unos como brazo musical directo de la política de liberación que acompañó a la Unidad Popular antes, durante y después de su llegada al gobierno y otros como un resultado “espiritual” de aquel momento aún presente en el imaginario de medio Chile. En otras palabras, en ese lapso caliente que definió el período, Los Jaivas tomaron un camino lateral, diferente al de Inti Illimani o Quilapayún, más allá de cuestiones estéticas. Explica Parra: “Cuando llegó la Unidad Popular al poder emergió un período fructífero y amplio para la cultura en general. La juventud se liberó de la generación anterior y alumbró dos movimientos: uno más político y otro de corte espiritualista. Aparece Silo ¿no?, Silo el humanista, y otros que dedican su vida a una inquietud social y política, con una música ligada a ese sentimiento”.

–¿Ustedes optaron por un camino intermedio?, porque, además de la idea de vivir en comunidad y de no ser tan “políticos”, también se han rendido ante Neruda, musicalizando sus textos suyos, o los de Violeta, que era como un nexo entre ambas cosmovisiones...

C. P.: –Puede ser, pero descubrimos la vida desde otro punto de vista... Sentimos que había que unir al mundo. Una necesidad de unión a través de la música. De ahí nace un tema como “Todos juntos”, que plasma la filosofía del grupo. Por eso lo de nuestra liga con los ro-ckeros argentinos, que concentraban una rebeldía que en Chile permaneció un poco dispersa.

–Pero continuó pese al golpe. En Argentina pasó algo parecido con el rock..., se lo perseguía pero no se cortó del todo la actividad.

C. P.: –Sí. Nosotros nos vinimos porque era insoportable vivir, pero la gente podía escuchar nuestros discos. A los Inti o a Quilapayún directamente los borraron en todo sentido.

Carlos Cabezas: –Yo era chico y recuerdo que en Chile hacer folklore era visto como comunista. Tocar un charango o una quena era sospechoso, más allá del nivel de compromiso político que tuvieras. Así se estigmatizaba a los músicos, te interesara o no la política.

–En cuarenta y siete años, aunque sin tocar su esencia, el grupo varió muchas veces de integrantes y estilos. ¿En qué momento del péndulo estético están hoy?

C. P.: –Bueno, la pérdida de Gabriel significó mucho en el cambio de orientación. Se vio muy afectado el trabajo de taller, por ejemplo. Y la de Eduardo, bueno... Perdimos la voz, la línea melódica que nos había caracterizado durante buena parte de nuestra trayectoria. La nueva agrupación, entonces, está creando otra armonía que defina una obra que será disco cuando esté definida. Yo creo que si cambian las personas también cambia la forma de hacer música. No está mal que sea así.

Fuente: Página 12

jueves, 27 de mayo de 2010

El talento de Dvorák brilla con el Cuarteto de Cuerdas

Jueves de cámara II, en el Teatro Argentino de La Plata

Karin Lechner estará junto al grupo de la UNLP

“Como su nombre lo indica este ciclo no es de fin de semana, es nuevo porque empezó el año pasado, pero a pesar de esto se está haciendo su público. Por lo general la sala se ocupa por la mitad y cuando viene algún invitado, especialmente pianista la concurrencia es mayor, e irá creciendo a medida que se mantenga en el tiempo”, comentó a Diagonales Siro Bellisomi, violoncello del Cuarteto de Cuerdas de la UNLP, que hoy a las 20, ofrecerá en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Argentino (calle 51 entre 9 y 10) obras del compositor checo Antonin Dvorák.

“Además dependemos un poco también de la difusión. El día no es el mejor, si fuera fin de semana sería otra cosa, por eso necesitamos tener mucha difusión", remarca este músico, en relación al Ciclo Jueves de Cámara II y al Cuarteto de Cuerdas, que integra y que fue creado en 1953 por profesores de la Escuela Superior de Bellas Artes y oficializado como representativo de la Universidad en 1958.

El ciclo comprende cinco conciertos, siendo el de esta noche el segundo del año, con la particularidad que todos los que restan contarán con músicos invitados, en este caso la participación de la excepcional pianista argentina Karin Lechner. Por lo que le cuarteto devendrá en quinteto.

"El programa previsto para esta noche tiene dos partes. En la primera vamos a ejecutar el "Cuarteto Americano, Op. 96" de Antonin Dvorák, que él escribió cuando fue a vivir a Estados Unidos y fue una de las últimas cosas que hizo. Y después será el turno del "Quinteto con piano, op. 81, en La mayor", una obra hermosa a la que se va a sumar Lechner, que es una gran pianista, una chica argentina que vive en Londres y está haciendo una carrera muy importante en el exterior. Aprovechamos que en estos días está en el país porque su hija de 9 años va a tocar en el Teatro Colón y la invitamos a tocar. Esto fue posible gracias al Teatro Argentino", remarca Bellisomi.

"Del espectáculo de hoy hay tres cosas para destacar: el Cuarteto de Cuerdas de la UNLP como institución, las posibilidades que ofrece el Teatro Argentino al organizar conciertos como éste y la participación de una pianista de nivel internacional", sintetiza quien integra este cuarteto junto con Roberto Regio (viola), José Bondar y Fernando Favero (violines).

Fuente: Diagonales

Concierto de música contemporánea‏ en La Plata

Los Jaivas La banda chilena vuelve

HERMANADOS CUANDO ESTALLÓ EL GOLPE DE PINOCHET EN CHILE, LOS JAIVAS ESTABAN EN BUENOS AIRES. Y SE QUEDARON AQUÍ.

Después de once años, a tocar en Buenos Aires. Habrá temas clásicos y nuevos.

Luego de once años, vuelven Los Jaivas a Buenos Aires y durante dos noches -el 28 y el 29 en el N/D Ateneo- renovarán un ritual que era costumbre en los primeros años de la década del 70, cuando formaban parte del rock nacional, pese a provenir de Chile. El golpe de Pinochet los encontró de gira por la Argentina, se instalaron en Zárate y fueron presencia habitual en los escenarios porteños con su fusión de ritmos latinoamericanos con rock.

Luego volvió el exilio, muchos años en Europa, la pérdida de algunos músicos y un recambio generacional. Sin embargo, Los Jaivas parecen indestructibles.

"El grupo es una elección de vida. Algo que empezó como un juego en la adolescencia. A diferencia de otros grupos que se arman alrededor de una propuesta musical, el lenguaje y nosotros mismos crecimos juntos. La opción por la música es lo que nos ha mantenido unidos tanto tiempo y nos ha permitido superar todas las dificultades", explica Claudio Paz, tecladista y el único veterano que participa de la entrevista. El resto está conformado por una nueva generación que incluye a Juanita Parra, que toca la batería, Carlos Cabezas (guitarra y charango) y Francisco Bosco (saxos y flauta). El grupo se completa con Mario Mutis (bajo y voz) y Ankatu Alquinta (guitarra), ambos ausentes con aviso. La dama del grupo es la que toma la palabra: "Todos estamos aprendiendo. Para mí, Los Jaivas ha sido y sigue siendo una escuela."

Sobre esta idea, Paz insiste en que "la creación es colectiva, el grupo es el ente que crea. Las pérdidas que sufrimos (la muerte de dos de los fundadores) quiebra la armonía. Las generaciones que llegan traen una nueva armonía."

Pero no hay quiebre generacional, los viejos tiempos marcan los actuales. Lo deja claro Bosco: "Me gusta más Jimi Hendrix y Led Zeppelin que Oasis."

A la hora de pensar cómo encaja el rock con los ritmos latinoamericanos, la respuesta se toma un tiempo: "Tanto el rock como las músicas étnicas comparten una cosa mántrica, por eso se fusionan tan bien. Uno podría estar horas con una guitarra eléctrica, un tambor o una flauta", dice Paz que monopoliza la palabra, pero Bosco alcanza a acotar "Lo que hay de rock es el sonido, lo que estamos tocando es folclore."

¿Y cómo reciben la propuesta públicos poco familiarizados con los ritmos latinoamericanos?

Juanita Parra: En general, hay curiosidad y sorpresa, sobre todo ante la mezcla, porque lo que están esperando es algo más tradicional. Nos pasó en China, ver a los niños bailando. En Europa hay más distancia, allí somos exóticos, pasan nuestra música por el intelecto. En Latinoamérica, nos escuchan directamente con el corazón.

¿Qué significó la estadía en la Argentina?

Para el grupo fue el momento de la madurez. En Chile no teníamos feedback. El periodismo de espectáculos no se ocupaba de gente como nosotros. Y nos diferenciábamos de Quilapayún o Inti Illimani, que acentuaban lo político, mientras que nosotros apuntábamos más a lo humano. Y el rock era bien anglosajón. Llegar aquí fue encontrar quien nos escuchara y una tecnología que no había en Chile. Creo que mi forma de tocar el piano -con grandes acordes- se debe a tratar de hacerme escuchar en medio del barullo (risas). Nos quedamos alucinados con la gran diferencia con Santiago que nos parecía tan provinciano. Tomamos contacto con Arco Iris, con quienes teníamos mucha afinidad de lenguaje musical y de filosofía. Decidimos quedarnos y ponernos a aprender a vivir en un medio profesional. Y nos llevamos una base fundamental para continuar con lo nuestro en Europa.

Bosco no se muestra muy de acuerdo cuando se le menciona que no hay muchos continuadores de su propuesta musical. "Hay un montón de gente que se acerca a nuestros recitales para traernos su material. Son los medios los que no toman en cuenta que hay toda una movida que busca trabajar con los ritmos folclóricos dándoles una nueva forma. Y el estado chileno se ha desligado de la cultura, lo que resta espacio y posibilidades para las nuevas expresiones, pese a la cantidad de músicos que hay en el país. Esperemos que lo que no hacen los medios y el gobierno, lo resuelva Internet."

Hay tiempo para que Cabezas salga del silencio y se refiera en términos entusiastas a la versión que hizo Soledad de Todos juntos -grandes éxito de Los Jaivas- y para que Paz prometa un recital que mezcle los viejos temas con algunas novedades. Al fin y al cabo, es lo que ocurre en los reencuentros cuando son demorados.

Fuente: Clarín

miércoles, 26 de mayo de 2010

Siguen los festejos en la Región por el Bicentenario de la Patria

Ricardo "Chiqui" Pereyra

Los festejos en la Región por el Bicentenario de la Patria no concluyeron ayer sino que continuarán en los próximos días, de acuerdo al siguiente cronograma:

Viernes 28: a las 19 hs en el Pasaje Dardo Rocha (50 entre 6 y 7) charla Ciclo Voces de la Cultura: ¿Qué nos pasó a los argentinos? Estará presente Osvaldo Bayer. Coordinará Julio Ferrer.

Ese mismo día a las 21 hs en el Teatro Municipal Coliseo Podestá (10 entre 46 y 47) habrá un encuentro Ciudadano con la Orquesta de Tango Municipal y la presentación especial de Ricardo "Chiqui" Pereyra. Organiza la Casa del Tango. Entradas en boletería.

Sábado 29: a las 15 hs en la Estación Provincia Meridiano V (17 y 71) murgas por el Bicentenario. Espectáculos, muestras y chocolate. Muestra fotográfica: material de época. Ferias. Con la participación de la murgas Araca La Cana (Uruguay) y Se armó la Gorda (Argentina). Entrada libre y gratuita.

A las 20 hs: "Una Noche en los Museos" distintos Museos del patrimonio provincial abrirán sus puertas en el marco de una noche especial. Organiza Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, Secretaria de Cultura y Educación de la Municipalidad de La Plata y la Asociación Civil Musas. Entrada libre y gratuita.

EN LA UNIVERSIDAD

Organizada por la Biblioteca Pública, con la participación y asesoramiento de la Red de Museos de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) se exhibe en el hall central del edificio ubicado en Plaza Rocha Nro. 137 la muestra titulada "Cosa de Mujeres. 200 años de historia a través de la vida cotidiana". Montada en conmemoración del Bicentenario de la Revolución de Mayo, la muestra es abierta a todo público. Quienes la recorran podrán además mirar una colección de revistas y libros que tienen un importante valor histórico.

En tanto, las actividades centrales por el Bicentenario se realizarán en octubre, cuando la casa de altos estudios local se transforme en anfitriona de un encuentro nacional de todas las universidades para abordar temáticas del sector. Entre muestras de música, cine, teatro y plástica, se desarrollará el plan "Obras del Bicentenario", consistente en "la puesta en valor de los edificios del rectorado de la UNLP, el Observatorio de Ciencias Naturales y la Biblioteca", todos de rango histórico.

Fuente: El Día

Kempff y Tarantinos, ni un paso atrás

La banda folk rock liderada por Federico Kempff no descansa. Hace pocos días presentó el videoclip de Cerca mío (dirigido por Ricardo Monteoliva y Manuel Andía ), tema de su reciente álbum El lugar que nos espera para ir. El grupo promete para junio numerosas presentaciones en Capital Federal, comenzando en La Cigale, el sábado 5 a la medianoche. Más en www.myspace.com/federicokempffytarantinos.

Fuente: Hoy

La superproducción fílmica de El Mató

Ya puede verse en la web el primer clip oficial del conjunto de indie platense El Mató a un Policía Motorizado. Día de los muertos fue el tema elegido para dar comienzo a la era fílmica del grupo. Dirigido por Facundo Españón (que ya trabajó con bandas como Los Piojos, Norma o Bicicletas) y Lisandro Grané, fue rodado en las ruinas de Villa Epecuén, escenario ideal para el relato apocalíptico que plantea su música.
Puede verse en www.elmato.com.ar/diadelosmuertos

Fuente: Hoy

Cerati tuvo otra mejoría y sería trasladado la próxima semana

Crédito Foto: EFE

En un nuevo parte, los médicos destacaron que disminuyó el edema cerebal y que ya se está analizando la posibilidad de trasladarlo al país en un avión sanitario. A partir de ahora, los informes sólo se darán por la web

El cantante Gustavo Cerati presenta una leve mejoría gracias a una disminución del edema cerebral y los médicos que lo atienden en Caracas por el accidente cerebrovascular que sufrió hace diez días se preparan para trasladarlo a Argentina, según el informe médico difundido hoy.

El informe sobre la salud del ex vocalista del grupo Soda Stereo destacó la disminución "ostensible" del edema cerebral, lo que respalda el proyecto de trasladarlo a Argentina en algún momento la semana próxima.

El portavoz médico del Centro Docente La Trinidad, Adolfredo Sáez, dijo que la condición de Cerati ha presentado leves cambios en relación a los días anteriores.

"Continúa la disminución del edema cerebral, como es de esperarse por los tratamientos indicados y de mantener esta evolución la posibilidad de traslado podría ocurrir en algún momento la próxima semana", señaló.

Agregó que por la lentitud de recuperación y por decisión de su familia fueron suprimidos los informes médicos en la clínica y que en adelante la información será difundida a través de la página de Internet del músico.

"Por decisión familiar y dada las características de lentitud de estos procesos, la información sobre el estado de salud de Gustavo Cerati será a través del portal oficial cerati.com", señaló.

Por su lado, el neurólgo Vladimir Fuenmayor destacó que es muy importante para el equipo médico la disminución de la presión cerebral de Cerati, ocasionada por la isquemia que sufrió hace diez días.

"Para nosotros es muy significativa, es muy importante, nos parece primordial la disminución de la presión cerebral, la disminución del edema cerebral. Eso es muy importante para nosotros y eso nos parece un poco más favorable", dijo a los periodistas.

Agregó que en Cerati se "mantiene la misma tendencia, de hecho hay una disminución significativa, ostensible del edema cerebral y no hay evidencias de deterioro neurológico".

Fuenmayor señaló que en el traslado a Argentina debe prevalecer la seguridad del paciente, por lo que se hará en una aeroambulancia donde "se llevará todo el monitoreo de sus funciones".

Cerati sufrió la isquemia cerebral el 16 de mayo después de ofrecer un concierto en la Universidad Simón Bolívar en Caracas. Luego fue operado de urgencia para aliviar la presión provocada por el edema.

Fuente: Infobae 26-05-10

Fito Páez estremeció a la multitud cuando cantó el Himno

FERVOR PATRIOTICO. Fito Páez, músicos y actores cerraron los festejos cantando el Himno Nacional. DyN

Cerró los festejos con un recital impresionante; lo acompañaron Pablo Milanés y Fabiana Cantilo. Video.

BUENOS AIRES.- Con un concierto de Fito Páez y el Himno Nacional interpretado en vivo por músicos y actores, y coreado con fervor por la multitud, concluyeron esta madrugada los festejos por el Bicentenario, que a lo largo de cinco días convocaron a millones de argentinos.

Cerca de las 0.30 y todo vestido de blanco, el cantante rosarino abrió el último concierto ante miles de personas congregadas en la avenida 9 de Julio. El recital-que tuvo como invitados al cubano Pablo Milanés, a Claudia Puyó, a Fabiana Cantilo y a Juanse- estuvo compuesto por 16 canciones de distintas épocas.

Arrancó con "Folies Verghet", siguió con "Tiempo al tiempo" y luego ofreció "El diablo en su corazón", hasta que llamó al escenario a Cantilo, con quien hizo "11 y 6" . "Circo Beat", "Al lado del camino", "Tumbas de la gloria", "Un vestido y un amor" y "El amor después del amor", junto con Puyó, fueron los temas que siguieron.

"Todos estamos muy felices con lo que pasó y con haber salido a la calle y sentir que empezamos a pertenecer", señaló Páez, en referencia a la enorme convocatoria que tuvo la fiesta del Bicentenario. Luego, llamó a Milanés, con el que hizo una versión de "Yo vengo a ofrecer mi corazón".

Promediando el show, Páez entregó "Brillante sobre el mic", "Ciudad de pobres corazones", donde agarró la guitarra y encendió al gentío, y "A rodar mi vida", con Juanse, quien estuvo muy movedizo y hasta se trepó a los caños del escenario. Para el final quedaron el dúo de voz y piano con Milanés, "Dar es dar" y "Mariposa tecnicolor", con el aporte de Cantilo y Puyó. (Télam)

Fuente: La Gaceta

Un viaje inusual

EX NIÑA PRODIGIO A LOS 29 AÑOS, GABETTA TIENE FESTIVAL PROPIO EN BASILEA.

Sol Gabetta La violonchelista argentina actúa hoy y mañana con un programa que reúne a Bartok, Hoffmann y Haydn.

Por: Sandra de la Fuente. Especial para Clarín

Quiero ofrecerles a los oyentes un viaje musical i-nusual", cuenta la joven violonchelista cordobesa Sol Gabetta desde Belgrado, donde acaba de dar un concierto a sala llena junto con la Filarmónica del país, poco antes de partir para Buenos Aires para ofrecer dos conciertos con un mismo programa hoy y mañana junto a la Kammerorchester Basel suiza en el Coliseo, dentro del ciclo del Mozarteum.

Sol Gabetta ya no es aquella niña que sorprendía con su precoz virtuosismo en el programa de Antonio Carrizo (hoy todavía se puede disfrutar de esas imágenes en YouTube). Hoy reside en Basilea. Es una multipremiada solista, con festival propio en Olsberg -el Solsberg Festival¿, que graba con exclusividad para Sony y cuyo último registro del concierto nº 2 y la sonata para chelo y piano de Shostakovich le valió el Diapason d'Or y el premio German Echo Klassik al mejor concierto del 2009.

Sin duda, la adultez le sienta muy bien y no le ha robado un gramo de la luminosidad y graciosa espontaneidad que regalaba cuando era una niña, en sus primerísimos encuentros con el público.

El viaje inusual del que habla Gabetta con tanto entusiasmo consiste en la reunión de Haydn, Hoffmann y Bartok dentro de un mismo programa.

"Aunque el concierto de Haydn es uno de los más conocidos del período clásico -y también uno de los más bellos-, creo que será interesante escuchar qué resulta de este repertorio interpretado sin un único director. Andrés, mi hermano, concertino de la orquesta, dirigirá los tuttis y yo manejaré los solos de los conciertos. Después está el concierto de Hoffmann, que es prácticamente desconocido, a caballo entre el barroco y el clasicismo. Hoffmann es de una simplicidad de escritura armónica que obliga al solista a desarrollar una enorme imaginación interpretativa, como sólo en los recitativos de Händel o en los movimientos lentos uno puede encontrar. Bartok introduce el contraste musical e interpretativo necesario.

Desde Haydn hasta Bartok o Shostakovich, ¿cómo describirías la evolución técnica del violonchelo?

Cada período demanda niveles técnicos diferentes. La comprensión de la técnica no es puramente el movimiento de los dedos de la mano izquierda, sino que juega un rol primordial la técnica de la mano derecha, el control del arco y de todos los parámetros interpretativos. Todo repertorio tiene un cierto enigma por resolver que lleva a descubrir día a día nuevos horizontes técnicos e interpretativos. Uno evoluciona probando, descubriendo incluso en el error. De esa práctica constante aparece eso que llaman "buen estilo". Y cuanto más se conoce la técnica, más puntos en común se encuentra entre los diferentes repertorios.

Fuente: Clarín